A differenza di un dipinto o di una scultura, che sono composizioni nello spazio, un'opera musicale è una composizione dipendente dal tempo.

La musica è un'arte effimera: a differenza di un dipinto o di una scultura, non occupa uno spazio fisico tangibile; la sua tela è il tempo.

La musica nasce, si struttura, commuove e svanisce nel giro di pochi minuti, eppure in quel breve lasso può racchiudere un'intera vita di emozioni.

Ma cos'è esattamente questo "tempo" musicale? È il "tic-tac" costante di un metronomo? È la velocità di un brano? O è qualcosa di più viscerale?

Spesso usiamo termini come "tempo", "ritmo", "velocità" e "battito" in modo intercambiabile, ma per il musicista e per l'ascoltatore attento, questi concetti sono diversi: comprendere questa differenza ti permette di sbloccare un livello più profondo di ascolto musicale.

In questo modo potrai capire perché un brano ti fa battere il piede, un altro ti fa venire la pelle d'oca e un altro ancora sembra sospendere lo scorrere del tempo stesso.

Iniziamo questo viaggio in un'epoca in cui la musica era tutto fuorché oggettiva, un'epoca di giganti del pianoforte e di interpretazioni infuocate.

Siamo a Vienna, nella prima metà dell'Ottocento.

Il mito dell'oggettività interpretativa

Nel 1839, in un'epoca d'oro per il virtuosismo pianistico, il critico viennese Joseph Fischhof pubblicò sulla Neue Zeitschrift für Musik (la rivista fondata da Robert Schumann) un'audace valutazione comparativa dei quattro titani della tastiera: Liszt, Thalberg, Henselt e la giovane Clara Wieck, futura moglie di Schumann.

Fischhof creò delle vere e proprie graduatorie, valutando i pianisti in base a vari parametri: la purezza dello stile, la potenza sonora, l'abilità nell'improvvisazione, l'obiettività dell'esecuzione, l'aderenza al metronomo, ecc.

Quando l'analisi arrivò all'ultimo parametro, l'aderenza letterale a ciò che era scritto nello spartito, Fischhof non stilò una classifica, ma scrisse semplicemente: "Nessuno".

Questo aneddoto è una finestra illuminante su una verità spesso dimenticata: la nostra moderna ossessione per la fedeltà assoluta allo spartito è, in gran parte, un'invenzione successiva.

Nell'Ottocento romantico, lo spartito non era un vangelo immutabile, ma piuttosto un punto di partenza, una traccia che l'interprete doveva completare con la propria personalità.

I pianisti dell'epoca non erano macchine metronomiche, erano narratori. Il concetto chiave per capire questa mentalità è il tempo rubato, l'arte di accelerare e rallentare la melodia in modo flessibile ed espressivo.

Questo approccio è l'antitesi della nostra concezione moderna, forgiata dalle registrazioni discografiche e da un approccio più "scientifico" alla filologia musicale. Oggi, un pianista che aggiungesse note a una sonata di Beethoven verrebbe tacciato di eresia.

Rattalino, Piero. La tecnica di Chopin. Varese: Zecchini Editore, 2020.

Il Ritmo prima di tutto

Se chiedessimo a un gruppo di persone qual è l'elemento più importante della musica, molti risponderebbero "la melodia". Eppure, questa è una percezione incompleta.

Poniamoci una domanda diversa: la musica può esistere senza melodia?

Assolutamente sì, basti pensare alle musiche prodotte da strumenti percussivi.

Ora chiediamoci: la musica può esistere senza ritmo? Assolutamente no.

Il ritmo è la componente primordiale, fondamentale e indispensabile della musica, più antico della melodia e dell'armonia.

La nostra stessa biologia è ritmica. La musica, e in particolare il suo scheletro ritmico, si aggancia direttamente a queste costanti biologiche ed è per questo che è quasi impossibile restare fermi ascoltando un ritmo potente: il nostro corpo lo riconosce e vuole sincronizzarsi.

La melodia stessa, per esistere, ha bisogno di una struttura ritmica: una melodia non è altro che una successione di altezze organizzate nel tempo. Senza ritmo, una scala ascendente non è musica; è solo un elenco di suoni. Ma se diamo a quelle note una struttura ritmica, quella successione prende vita, acquista un'identità, un carattere.

Qui sotto ho inserito la melodia di tanti auguri nella quale puoi notare, grazie alle diverse forme delle note, che ognuna ha una durata diversa dalle altre.

L'architettura del tempo

Definizioni fondamentali

La musica agisce in modo simile: un "Adagio" di 10 minuti può farti perdere la cognizione del tempo, sospendendoti in un presente meditativo; un brano "Presto" di 3 minuti può sembrarti un lampo adrenalinico. L'arte, in sostanza, crea una propria finestra temporale e ti invita a viverci dentro.

Organizzare il flusso musicale

Immagina i binari come il tempo sul quale scorre il treno; il suono ritmico del treno è la pulsazione; la velocità del treno rappresenta il tempo in BPM; ogni vagone è una battuta.

La Mappa del compositore

Notazione e indicazioni

Come fa un compositore a comunicare tutta questa architettura complessa a un musicista? Attraverso un sistema di notazione preciso, una vera e propria mappa del tempo.

Abbiamo la capienza della battuta (indicazione metrica) e la velocità (BPM). Ora, come riempiamo quella battuta? Con il Ritmo.

Il ritmo è l'organizzazione dei suoni e dei silenzi all'interno del tempo. È la distribuzione dei passeggeri nei vagoni. Il compositore usa diverse forme di note (le figure musicali) per indicare la durata di ogni suono.

Tempi semplici e composti

Tempi semplici

I tempi semplici sono quelli in cui ogni battito è divisibile per due.

La battuta da 4/4, per esempio, è composta da 4 tempi da 1/4 e ognuno è divisibile in 2 ottavi. La battuta da 3/4 è composta da 3 tempi da 1/4 sempre divisibili in 2 ottavi. Lo stesso per la battuta da 2/4 (due battiti da 1/4) e per quella da 3/8 (3 battiti da 1/8 ciascuno, divisibili in due sedicesimi).

Tempi composti

I tempi composti sono tempi ternari, hanno cioè battiti divisibili per 3 ottavi ciascuno, creando un carattere ritmico completamente diverso.

Il Carattere del tempo

Agogica ed espressione

Il metronomo, inventato da Johann Mälzel intorno al 1815, fu una rivoluzione. Permise per la prima volta ai compositori di indicare una velocità oggettiva. Ma prima del metronomo, come facevano i compositori a comunicare non solo la velocità, ma il carattere emotivo di un brano?

A partire dal 1600, i musicisti italiani iniziarono a codificare un sistema di termini, oggi universali, per descrivere l'umore della musica. Queste sono le indicazioni agogiche (dal greco agōgē, "movimento"): aggettivi che danno un'anima alla musica.

Beethoven fu uno dei primi ad adottarlo con entusiasmo, ma le sue indicazioni metronomiche sono ancora oggi oggetto di feroci dibattiti: sono così veloci da sembrare quasi ineseguibili. Non sappiamo se il suo metronomo fosse difettoso, se abbiamo frainteso le sue indicazioni, o se semplicemente volesse un'energia sovrumana dalla sua musica.

Indicazioni agogiche

Ecco le principali indicazioni agogiche, ordinate dalla più lenta alla più veloce.

• Grave (“pesante, importante”): è l'indicazione più lenta. Descrive un carattere maestoso, profondo e solenne, spesso usato in brani religiosi o introduzioni importanti. (Range indicativo: 25–45 bpm)
• Largo (“ampio, largo”): un tempo lento, ma più scorrevole e "pieno" del Grave. Richiede ampiezza di suono e un grande respiro musicale. (Range indicativo: 40–60 bpm)
• Larghetto (diminutivo di largo): un po’ più mosso di Largo, ma conserva un carattere calmo e tranquillo. (Range indicativo: 60–66 bpm)
• Lento (“lento”): Simile al Largo ma spesso con un carattere più intimo e meno solenne. (Range indicativo: 60–80 bpm)
• Adagio (“ad agio” = con calma): un tempo lento e disteso, che invita alla calma. È spesso usato per movimenti espressivi e meditativi. (Range indicativo: 66–76 bpm)
• Adagietto (diminutivo di adagio): leggermente più scorrevole e leggero dell'Adagio. (Range indicativo: 70–80 bpm)
• Andante (“camminando”): il tempo moderato per eccellenza, che imita il passo naturale di una persona. È il punto di equilibrio tra lento e veloce. (Range indicativo: 76–108 bpm)
Andantino (diminutivo di andante): un termine storicamente ambiguo. In epoca classica significava "un po' più lento" di Andante, ma in epoca romantica è passato a significare "un po' più veloce" e leggero. (Range indicativo: 80–112 bpm)
• Moderato (“moderato, misurato”): indica una velocità media, un equilibrio perfetto tra calma e movimento, senza un carattere emotivo specifico. (Range indicativo: 96–112 bpm)
• Allegretto (diminutivo di allegro): piuttosto vivace, ma con grazia. È più leggero ed elegante dell'Allegro, mai impetuoso. (Range indicativo: 100–120 bpm)
• Allegro (“allegro, vivace”): l'indicazione "standard" per un tempo veloce, brillante, energico e gioioso. (Range indicativo: 120–168 bpm)
• Vivace (“vivo”): molto vivace e più rapido dell'Allegro, suggerisce un'energia luminosa e scoppiettante. (Range indicativo: 140–176 bpm)
• Presto (“rapido”): molto veloce, brillante e deciso. La musica diventa una corsa, una scarica di adrenalina. (Range indicativo: 168–200 bpm)

Il Tempo siamo noi

Questo lungo viaggio ci riporta al punto di partenza. Abbiamo smontato la macchina del tempo musicale, abbiamo visto i suoi ingranaggi (pulsazione, battito), la sua carrozzeria (la battuta) e il suo motore (il ritmo). Abbiamo letto il manuale d'istruzioni (l'agogica) e misurato la sua velocità (i BPM).

Ma la musica, come ci ha insegnato l'aneddoto dei pianisti virtuosi nel 1839, è molto più della somma delle sue parti. Il Tempo è la velocità del treno, ma il Ritmo è il modo in cui i passeggeri danzano, parlano e vivono all'interno dei vagoni.

La musica è l'arte di scolpire il tempo, e in quel tempo scolpito, di trovare e comunicare un'emozione. La prossima volta che ascolterai un brano, prova a sentire oltre la melodia: cerca la pulsazione, il battere, il carattere. Scoprirai un mondo intero che aspetta di essere svelato.